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Múltiples elementos constituyen el andamiaje dramático de El perro del hortelano de Lope de Vega, una de las comedias más deliciosas del teatro español del siglo XVII.

Su personaje central, Diana, mueve prácticamente los hilos de la acción, basada en un conflicto amoroso y social, de continuos enredos y engaños, de falsas identidades, y de una ansiedad sexual que refrena el decoro, la posición jerárquica y la estima social.

Amor y celos, frustración sexual y deseo, envidia y formas de decoro, inteligencia y engaño, gracia lingüística y chiste apicarado, constituyen el imán de atención para el lector de una de las más amenas comedias de Lope.

El caballero de Olmedo, basada en un hecho histórico que fue motivo de múltiples recreaciones artísticas –la muerte de don Juan de Vivero, caballero de Olmedo, a manos de su vecino Miguel Ruiz en 1521–, es una de las obras maestras de Lope de Vega, con un mecanismo poético y teatral que alcanza la perfección extrema.

Amor y muerte son los ejes de esta «comedia», cuyo final deja un halo de escepticismo ante lo vano de la existencia. Para su elaborada construcción, Lope desplegó todo su ingenio, combinando sabiamente los elementos del arte dramático propios de la época y condensando en ella todas las formas y los modelos poéticos en uso.

Nada en la obra resulta superfluo; todo, incluso el inicial tono alegre y primaveral, está al servicio de la tragedia que, desde el principio, se avanza con gran sutileza.

La trascendencia del teatro de Lope de Vega ha diluido durante mucho tiempo el valor de su Poesía. Culto y popular, Lope hereda la poética renacentista y reelabora de modo incomparable motivos y formas de la lírica tradicional. Esto es lo que se puede apreciar en su obra Poesías Líricas.

Este volumen recoge romances, letras para cantar, seguidillas, letrillas jocosas y otras composiciones de Lope de Vega junto a poemas incluidos en varias de sus obras teatrales.

Plural, dúctil, tocó todos los registros, todos los temas. Fue, en su poesía, épico, lírico y dramático. Hizo lo que nadie había hecho hasta entonces, crear literatura de su peripecia existencial. Pero recogió también todo el complejo movimiento social, político y espiritual de su época. Por todo ello es de una rigurosa modernidad.

La dama boba es una comedia de destacada personalidad en el complejo ámbito del teatro de Lope de Vega.

Ciñéndose a ese gran libro que él leía como nadie –la vida cotidiana-, apoyado en la vieja idea del amor como educador máximo, y con una mirada entre la encariñada y burlona, hilvana Lope esta deliciosa comedia, donde vemos al personaje que era más familiar al dramaturgo, el amor, ir de aquí para allá, enredando, divirtiéndose a costa de las voces sensatas, alterando el orden establecido para convertirse en la armonía más cumplida y entera.

Amor, amor, «extraños efectos son / los que de tu ciencia nacen».

En 1476, los habitantes de una aldea andaluza llamada Fuente Ovejuna, hartos de soportar los abusos de su señor, se rebelaron unánimemente contra él. La rebelión acabó en asesinato, pero el pesquisador no pudo arrancar de las bocas de los aldeanos más que una única respuesta: «Fuente Ovejuna lo hizo».

Frente a este admirable comportamiento se renunció a continuar la investigación dando por justa la venganza del pueblo. El famoso episodio fue recreado e inmortalizado por Lope siglo y medio después en una obra cuya tensión y fuerza dramática cautiva emocionalmente al lector.

El arte literario de Lope y su exquisito lenguaje poético superan las fronteras del espacio y el tiempo al invocar ideales eternos que otorgan resonancia universal a la comedia.

La moza de cántaro es una obra de teatro del dramaturgo español escrita en 1618.

La pieza, llena de equívocos narrados en tono cómico, se centra en la peripecia de la bella Doña María, quien es testigo de una ofensa hecha a su padre por un tal Don Diego.

Para vengar la humillación y en guisa de caballero, reta a duelo al infame y lo mata. Debe entonces huir de su Ronda natal hacia Madrid, acompañada por el galán Don Juan, enamorado de María, pero que cree que acompaña a un joven fugitivo, pues ella permanece con ropas de varón.

La obra se ha llevado a los escenarios del Teatro Español de Madrid, al menos en tres ocasiones en el siglo XX: En 1911, en 1935 y en 1952.

En El Loco por fuerza, comedia escrita por Lope de Vega entre 1597 y 1608, que transcurre entre Zaragoza y sus montañas, se contemplan las conflictivas relaciones de dos grupos de personajes: castellanos y aragoneses.

La obra se desarrolla en el contexto de las revueltas aragonesas de 1591, desde el punto de vista y representación de Aragón que ofrece el dramaturgo. El escritor aborda los distintos espacios constituyentes de la comedia, y examina más detenidamente uno de ellos, el hospital de locos.

Algunos expertos historiadores valoran la posibilidad de que el internamiento forzado del galán de la historia sea un trasunto de las prisiones del ex secretario de Felipe II, Antonio Pérez.

En 1557 se publicaba en Toledo una pieza dramática que llevaba por título Las Cortes de la Muerte a las cuales vienen todos los estados, y por vía de representación dan aviso a los vivientes y doctrina a los oyentes; según se ha sostenido tradicionalmente, es la primera pieza del teatro castellano en la que aparecen los indios del Nuevo Mundo.

Retomando el viejo tema de las «danzas de la muerte» medievales, en este auto o farsa se combinan motivos de ascetismo religioso con una feroz crítica social y sátira antieclesiástica.

Mas, a diferencia de las anteriores danzas sencillas en su composición, ésta presenta mayor complejidad. No solo porque la nómina de actores es mucho más elevada y mayor el artificio escénico, y porque hay numerosas partes que debían de ser cantadas, sino porque la sátira, aún más mordaz, toca muchos y variados asuntos.

Pieza atribuida a Lope de Vega, escrita entre 1612 y 1615, en la que un joven siciliano, Leonido, cegado por la atracción del mal, pretende afianzarse en la consecución de su poder, oponiéndose a todas las leyes divinas y humanas.

Deshonra a varias jóvenes, humilla a un sacerdote en su misma iglesia, trata de violar a su hermana, mata a su madre y saca los ojos a su padre. Renuncia al cristianismo y se hace musulmán. Algún tiempo después se encontrará con un pastor (Cristo en persona) que le llevará al arrepentimiento.

La bella aurora fue publicada en 1635 y forma parte de las tragedias de Lope de Vega, la cual se acepta como una versión teatral del mito de Céfalo y Procris.

La obra se desarrolla en tres actos con un total de 3014 versos. En ella, como ya se mencionó, transcurre la historia de unos recién casados, Céfalo y (a diferencia del mito) Floris, que por designios del príncipe de Tebas, Doristeo, que está enamorado de Floris, se ven en la necesidad de separarse pues Céfalo es enviado a cazar con la intención de que durante su ausencia su recién esposa se enamore del príncipe.

Mientras tanto Céfalo se encuentra en terrenos acuñados por la diosa Diana, donde Aurora, una ninfa que es pareja del Sol al ser la aurora de la mañana, lo ve descansando al lado de una fuente, y ante su belleza se enamora de él.

La devoción del Rosario es un auto sacramental de Lope Vega.

Siguiendo la estela de este subgénero, se articula como un texto teatral de profunda raigambre católica y enseñanza moral, en este caso articulado al uso del rosario cristiano en la Península Ibérica.

Fragmento de la obra Jornada primera (Sale Pedro Germán, monje, solo.) Pedro Germán: ¡Dios sin principio y sin fin, cuyos soberanos pies pisa el mayor serafín! ¡Dios uno y Personas tres, que entender quiso Agustín, y en el ejemplo del mar, que el niño encerrar quería en tan pequeño lugar, vio que ninguno podía tan gran piélago aplacar!

¡Dios, de quien solo creer es más justa reverencia que no intentaros ver, cuál impulso, qué violencia aquí me pudo traer! Señor, en mi celda estuve: ¿cómo me traéis aquí? Mas… ¿qué prometida nube de oro y Sol se acerca así que sobre mis hombros sube?

Esta obra corresponde al «ciclo de Lope de Vega», y se considera una pieza excepcional desde el punto de vista dramático, sin lugar a dudas, una de las cumbres de nuestra tragedia áurea.

La estrella de Sevilla incluye uno de los temas más delicados que se han planteado en el transcurso de los siglos, acerca de las decisiones unilaterales sobre la muerte de un vasallo-ciudadano sin preceder juicio.

Si quienes ocupan el poder legítima o ilegítimamente desean el ejercicio de la autoridad sin límites, las actuaciones propias de la Monarquía Absoluta, desde distintos estamentos de la sociedad no dejan de escucharse los argumentos de quienes proclaman la igualdad de todos los hombres ante la ley y, como consecuencia de ello, la sumisión de cualquier ciudadano, desde el primer mandatario hasta el último ser humano a la legalidad y a la justicia.

Las ferias de Madrid expone la vida y actividades de los buhoneros que venden mercancía en los mercados o ferias de la ciudad.

Extracto de la obra:

Primera (Salen Guillermo y Pierres, buhoneros.)

Guillermo: ¿Que en esa acera pusiste tu aparato y tienda, Pierres? Guarda que el lance no yerres que en la de enfrente tuviste. No te fue mal otros años con el puesto que te di.

Pierres: Antes, por ganar, perdí; hay un provecho y mil daños. Guillermo: Pues la luz, ¿no es de importancia? Pierres: Sí, pero tiene aquel lado descubierto y me han robado la mitad de la ganancia. Guillermo: ¡Qué bien nos dio de comer el amigo! Pierres: ¡Largo cuenta! A fe que tiene pimienta, pero no para beber. Conocíle yo en Amberes, pobre y de bellaco talle, que vendía por la calle hilo, antojos y alfileres, y agora está rico a costa de nuestras pobres haciendas.

La Santa Liga es una obra de teatro de Lope de Vega cuya acción recrea la derrota del Imperio Otomano en la batalla naval de Lepanto (1571).

La obra refleja la imagen del mundo islámico que existía en España a finales del siglo XVI y principios del XVII. Lope de Vega transmite al público de su tiempo una concepción religiosa y política basada en la oposición al Islam.

La obra narra la historia de la virtuosa Lisbella y el infiel Leonardo.

Desde la elección del argumento, basado en una copla de música o romance popular muy conocido desde finales del siglo XV, el quiebro que imprime al tema hasta convertirlo en una refundición original, la asimilación de lecturas, el acopio de temas de actualidad, hasta la técnica de suspensión empleada, tan adecuada a la teatralidad, son algunos de los hilos con los que está tejido este tapiz.

La obra pertenece a la primera época teatral de Lope, la de su aprendizaje y experimentación, y en ella apunta ya, con absoluta nitidez, la maestría del que mereció el elogio de “Monstruo de la Naturaleza”.